viernes, 27 de julio de 2012

Amadeus


En 1984 Milos Forman estreno Una fantasía histórica basada en el personaje de Johannes Chysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart. Mejor conocido como Wolfgang Amadeus Mozart, lo que nos lleva a la pregunta: ¿De dónde sale el Amadeus?. Se trata de la versión latina de la palabra griega Theophilus, que significa “el que ama a Dios”. Sin embargo, Mozart usaba variantes de la palabra latina, como Amadeo, Amadè o, más a menudo, Amadé.


La película contiene una visión muy libre y personal de Forman, ya que no se trata de una biografía, de hecho el guion está basado en la obra teatral de Peter Shaffer, quien fungió como guionista de la cinta. Dándole un trazo fantástico.



La película cuenta la vida de Mozart narrada por su rival, Antonio Salieri quien intenta suicidarse. Al ser encontrado por sus criados es llevado a un manicomio bajo el temor de que recaiga en sus intenciones. Ahí conoce al Padre Vogler. Con quien se confiesa de pecado de envidia y comenzamos a ver bajo la maravillosa interpretación de F. Murray Abraham, como su retorcida psique comienza a fraguar una animosidad imperiosa contra el músico austriaco, que lo lleva a según el asesinarlo.


Forman dibuja a un Mozart, encarnado por Tom Huncle, casi como un rock star. Mujeriego, jugador, alcohólico pero brutalmente genial, eje de la enemistad de Salieri. Cabe resaltar aquí a pesar del colosal trabajo de Abraham en la película, Que el director quería crear polémica con la imagen de Mozart. Logrando un equilibrio perfecto que se nota, ahora solo a la distancia. En su momento los más críticos fans se le fueron a la yugular por su estrambótica visión de Mozart, incluida su estrafalaria risa. En su día fueron también muy criticadas otras inexactitudes históricas, aparte de la risa de "Amadeus", que podemos recordar aquí: así, el papel que se le da a Salieri no es ni remotamente parecido al real, desde luego él no encargó el Requiem, sino el conde Walsegg, que envió a un emisario ante Mozart, y pretendía hacerse pasar por el verdadero autor. 



La versión más nueva, que se encuentra afortunadamente en mi casa, es una edición especial del director de tres horas, que se contrapone con la normal de dos horas y media pudiera ser pesada para los no amantes del cine de época. Un acierto del director es el tratamiento que le da a la música de Mozart. La escena donde se concibe el réquiem con un músico cansado, enfermo y postrado en una cama, es el clímax de la película. Vemos como la óptica del director desgaja la composición y nos muestra una soberbia escena de como Mozart concebía la música en su cabeza.

jueves, 26 de julio de 2012

Añoranzas y pesares - Tad Williams

 Esta saga es una maravilla, que nadie ha volteado a ver. Permanece inmaculada, pura y bien plantada. Se trata de una trilogía original que posteriormente dado su volumen se partió en cuatro partes llamadas “El trono de hueso de dragón”, “La roca del adiós”,  “A través del nido de ghants” y “La torre del ángel verde”. En lo personal cometí el error de leer el señor de los anillos a muy temprana edad, lo cual tuvo como consecuencia que a pesar de haberme enganchado hasta la fecha en el género de la literatura fantástica, no había nada a la altura. Ni siquiera los treinta mil volúmenes de dragonlace.


Tad Williams es más conocido por su literatura juvenil e infantil. Por lo que leerle esto es sacarlo de contexto y ver la terrible influencia que Tolkien ha tenido en él. Es el equivalente de los miserables en su género. Una historia épica, larga con muchos personajes entre calados que llevan un ritmo frenético pero digerible.

La historia gira en relación al pinche de cocina Simón CabezaHueca, quien pasa sus días entre la ajetreada rutina diaria del castillo en los últimos años del viejo reino y los primeros del nuevo. Cuando el nuevo orden se encuentra en mitad de una crisis de sospecha y descontento debido a la enemistad entre el Supremo Rey Elías y su hermano Josua "El Manco", el nuevo dirigente forma una alianza sobrenatural con el Rey de la Tormenta que antes había sido Sitha, a través de un "alquimista" llamado Pryrates. Simón se ve obligado a huir hacia lo desconocido, armado tan sólo con un ejemplar de la biografía de Juan el Presbítero que perteneció a su mentor, un gran sabio llamado Morgenes Ercestres, doctor en el Castillo de Hayholt y alquimista, que murió defendiendo a Simón. Este último le encarga dirigirse a Naglimund, fortaleza que pertenece a Josua, en donde podrá encontrar refugio.


A medida que Osten Ard se desgarra, la narrativa se divide en distintas partes a través de la visión de personajes paralelos como el duque Isgrimnur de Elvritshalla, Maegwin, la hija del rey Lluth de Hernystir, o Tiamak, un escriba del lejano sur. A pesar del terror, el hambre y el desconcierto general, Simón logra permanecer a salvo con la ayuda de varios compañeros de viaje de distintas razas.


La historia crece y evoluciona junto con el personaje simón quien comienza, como un preadolescente interesado en los juegos y a esconderse de Raquel el dragón su tutora, y termina siendo un hombre que dirige campañas de rebelión en una guerra civil. No está predestinado a nada, y asume sus obligaciones conforme madura su psicología. Sus compañeros en especial Binabik, un qanuc que monta una loba, fungen como su guía. Sobre todo con sus roces amorosos de la princesa miramiel.


Los personajes relevantes se cuentan por docenas, con varios asumiendo el protagonismo a lo largo de las bifurcaciones de la tramas. El mundo creado por Williams es rico y profundo al grado de anexar en cada libro un apéndice con acotaciones y refranes de las diferentes lenguas habladas por las razas que habitan Osten Ard.


Un acierto de Williams es el manejar los pueblos y las culturas de una manera muy realista, con sus acotaciones apegadas a las culturas europeas. Por lo cual sus símiles hacen ver que los Rimmerios tienen paralelismos con los vikingos, los Nabbanos con los romanos y bizantinos. Mientras los Erkynos se acercan a los ingleses. Y los sithas y las nornas a los pueblos hindúes. A pesar de la predominación del politeísmo imperante de las mitologías germánicas y celtas, debido a la cantidad de pueblos retratados en la obra. Encontramos uno de los puntos fuertes de la novela.  La religión principal de los humanos una versión reinventada del cristianismo con una que otra referencia nórdica, cuya figura principal, Jesuris Aedón murió ejecutado al ser clavado boca abajo en un árbol. Y conforme más avanzamos en la novela las referencias cristianas apostólicas romanas adquieren mayor complejidad y credibilidad.


El idioma Erkyno dominante a lo largo del mundo de la novela, se asemeja al inglés medieval, con nombres que suenan anglosajones y bíblicos. Además el castillo adopta el modelo feudal utilizado comúnmente en el género. También encontramos referencias a leyendas el rey Arturo y sir Lancelot, Alfredo el grande, Baba Yaga, y Amaterasu lo que le da más sustento y credibilidad. La obra tiene una narrativa muy ágil, te atrapa desde el primer momento y no te suelta hasta terminar de leer los tres volúmenes consiguientes. Si bien son un poco pesados con un poco más de 600 páginas cada uno hablamos de más de dos mil hojas, que a un lector promedio no debería espantarlo. Sobre todo si vemos la facilidad de avance con la que uno se adentra en la historia. 


Muy pocos libros salvo la guerra y la paz y el conde de Montecristo que manejen esa cantidad de personajes te hacen leer con ansias, ya que generalmente uno termina avanzando esperando llegar al desarrollo de los eventos que uno añora. En definitiva estamos ante la mejor obra de literatura fantástica escrita, superada únicamente por tolkien. Y aunque los puristas me quieran sacrificar, me atrevo a decir que supera la canción de hielo y fuego de George R. R. Martin. Ese que escribió Juego de tronos en HBO.

miércoles, 25 de julio de 2012

Azteca de Gary Jennings


Gary Jennings fue un autor estadounidense reconocido por varias novelas históricas. El punto a favor del autor es el compromiso en niveles de excelencia que adquiría para sus novelas. Así Jennings viajo por la misma ruta de Marco Polo para escribir El viajero. Se unió a nueve compañías de circo mientras escribía "Spangle" (lentejuela). Vivió en la zona de los Balcanes para redactar su libro  Raptor situada en el siglo XV, que sigue la vida de un godo hermafrodita.

Esta obsesión periodística lo llevo a radicar 12 años en México con la firme intención de documentarse para esta novela de Azteca. Sin embargo fue tanto el material que termino haciendo una trilogía conformada por los títulos Azteca, Otoño Azteca y Sangre Azteca. El libro es una maravilla narrativa.

Un monstruo de mas de 800 paginas, con la letra del tamaño de una hormiga jardinera. Donde el autor se regodea en detalles ínfimos sobre la cultura prehispánica. La historia se basa en los requerimientos que en su tiempo hizo Carlos V a los misioneros Católicos en América para que recopilaran la historia de esos lugares. Para dar cumplimiento a esta petición, el Obispo Juan de Zumárraga, hace que un anciano azteca, Mixtli, narre la historia de su vida ante un grupo de frailes expertos en notas tironianas (antecedentes de las notas taquigráficas).

Cada capítulo aparece en la forma de notas taquigráficas de las palabras de Mixtli, con una introducción de Zúmarraga dirigida a Carlos V.

 

La historia se desarrolla a un ritmo muy vivo, mostrando de manera bastante natural las costumbres de los pueblos prehispánicos del territorio que hoy es México. La narración incorpora la mayor cantidad de información posible de las costumbres de cada uno de los pueblos (no hay que olvidar la larga estadía del autor en México con ese propósito). 

Algunas de las frases de los personajes están construidas con una bella poesía, mostrando reflexiones del autor acerca de la vida, la muerte y el amor. Recordemos que los Aztecas tenían un alto sentido poético y mitificaban las bellas artes donde la escritura (o palabra pintada), la escultura, orfebrería, la poesía y la guerra eran consideradas en niveles artísticos. El mismo nombre de Mejico (asi con j) proviene del náhuatl se puede traducir como "El ombligo de la luna", "Conejo en la luna" o "El Ombligo del Centro del Universo", frases de alto sentido poético. El cual proviene de las palabras Mēztli que es Luna, xictli que es ombligo o centro y -co denota lugar, lo cual se traduce como "Lugar en el centro u ombligo de la Luna". Cuando los españoles se encontraron con este pueblo y tradujeron su lenguaje, naturalmente lo hicieron siguiendo las reglas del idioma castellano de aquél tiempo. 

La lengua náhuatl tiene un sonido SHHHH, y este fue escrito como x en español (De ahí que encontramos Xalapa, Ximena, Xavier y otros ejemplos escritos con X. De hecho si vamos en la actualidad a México encontramos indicios de esto como Xola, Xotepingo e incluso el mismo xochimilco; consecuentemente, la letra x es usada para escribir palabras provenientes del náhuatl como México. Pero regresare a mi punto original, ya que el libro le da un tratamiento especial a este tema. 

El libro además de su apabullante detallado minucioso, es violento, sangriento y raya en el gore que a más de uno le podría parecer shockeante, el énfasis en la narración de la guerra, las muertes floridas, los tributos al dios Xipe Totec el desollador, los eventos violentos como la muerte del trabajador de cantera a quien lo aplasta por la cintura una enorme piedra parecen fluir de manera armoniosa. 

 La vida de Mixtli el personaje es dramática, trágica y fugaz. Un relato épico de proporciones howardianas, en donde pasa de ser a comerciante, conquistador, viajero, guerrero águila, traductor, escribano y cronista en su etapa final frente a Zumárraga. 

En definitiva Azteca es una de esas obras que impactan y abren la perspectiva de un tema con sutileza. En la actualidad Alfonso Arau el mismo de como agua para chocolate y la infame zapata, esta tratando de adquirir los derechos para hacer una miniserie del libro. Esperando que esto no se concrete, con la idea de no manchar lo que es perfecto.

El bueno el malo y el feo



Su titulo original es Il buono, il brutto, il cattivo, del género spaghetti western (Películas de manufactura italiana con temáticas de vaqueros) estrenada en 1966. Fue dirigida por Sergio Leone y protagonizada por Clint Eastwood, Lee Van Cleef y Eli Wallach. Es la tercera y última película de la llamada «Trilogía del dólar», siendo precedida a Por un puñado de dólares (1964) y La muerte tenía un precio (1965). La trama gira en torno a tres pistoleros que luchan por encontrar un tesoro durante la Guerra de Secesión (Guerra Civil estadounidense). El rubio (o el bueno) y Tuco (o el feo) son dos timadores que se aprovechan de las recompensas que en diferentes pueblos dan por la entrega de Tuco; el primero entrega al segundo, cobra el dinero y luego, a la hora de la ejecución, lo libera. El rubio decide romper la “sociedad”, pero Tuco no está de acuerdo y casi va a matar a su ex-compañero cuando, casualmente descubren la existencia de un gran tesoro escondido en un cementerio. De nuevo juntos, pues cada uno oyó una parte del lugar donde el botín está enterrado, tendrán que evitar a Sentencia (o el malo), quien también descubrió la existencia del dinero y hará lo que sea para encontrarlo.


Lo que desde mi particular punto de vista es un acierto de Leone, es la visión anónima del vaquero. Esa que encaja perfectamente para la mitificación de la figura wester que tanto exito le dio a Estwood. La narrativa, si es que se puede aplicar el concepto, no tiene pasado, su vida es un misterio y su carácter de madera áspera es el complemento de una psicología que si bien no es el mismo personaje en las tres películas resulta sospechosamente familiar. Clint Estwood durante las tres películas no tiene nombre, Aquí en esta en particular solo lo llaman por su apodo. Blondie


A pesar de ser la última de esta trilogía, se ha convertido en un suceso en la historia del cine. La mayoría de los gags en películas de vaqueros provienen de esta trilogía. Plantas rodantes al viento del desierto, y las técnicas de narración visual tan características de Leone, su maravilloso tratamiento de tomas abiertas hasta el horizonte, que se compactan hasta el colapso en el close-up de la mirada de los pistoleros.


Denle play mientras leen estas lineas a modo de ambientación

La banda sonora fue escrita por Ennio Morricone, quien había trabajado con anterioridad en dos películas de Leone. Morricone utilizó disparos, silbidos y yodel en varias de las canciones. El tema principal, que se asemeja a los aullidos de un coyote (el cual se mezcla con un aullido real en la primera toma de la cinta), es una melodía de dos notas usada como motivo musical para caracterizar a los tres personajes principales. La melodía es interpretada con diferentes instrumentos para diferenciar a los protagonistas: una flauta para Blondie (Clint Estwood), voces humanas para Tuco (Eli Wallach), y una ocarina para Angels eyes (Lee Van Cleef a quien extrañamente solo recuerdo en esta y en escape de Nueva York de John carpenter que también recortare aquí en su momento).


Es de notable detalle que ya en los sesentas se comenzaba a dar un tratamiento especial en la música. Como parte del reforzamiento pasional y dramático de la trama. Leone y Kubrik sabían manejar perfectamente esta cualidad. Solo volteemos a ver the misión y once upon a time in america del primero y 2001 odisea en el espacio y ojos bien cerrados del segundo.


El Tuco en busca del oro, durante la escena del cementerio.

El clímax de la película es fantástico, nos deja una clase de cómo deben hacerse las películas sin presupuestos monstruosos.  Desde la dramática carrera de Tuco en el cementerio por encontrar la tumba de Arch Stanton, donde supuestamente está enterrado el oro. (Tema que incluso metallica usa para abrir sus conciertos) Hasta el mágico duelo de tres, donde la capacidad de astucia, y rapidez en los personajes se dibuja en sus expresiones.


Ojo abrir bajo su responsabilidad contiene SPOILER

Para mi esta es a la fecha, coincidiendo con Tarantino, la mejor película dirigida de vaqueros, para verse como no con un buen cañón y un sistema de audio.

martes, 24 de julio de 2012

El ultimo de los mohicanos


Los músicos llaman a las cosas por su nombre. Por ejemplo, inventaron el término variación. Así, utilizan la melodía de otro autor y a partir de ahí construyen una montaña. Con una mano en la cintura plagian aquella melodía que los subyuga, le dan un nuevo formato y aquella obra ve la luz en medio no de la indignación sino de la honra. En efecto, para un compositor equis es motivo de nobleza que otro lo plagie. ¿Por qué los escritores y directores se encolerizan hasta perder la cabeza?.


Paganini crecía no sólo por su técnica de prodigio y maravilla, no sólo por sus Caprichos y sus conciertos que se desparramaban de unos oídos a otros y se iban apropiando de la humanidad culta. Lo mismo sucede con este caso en particular. Esta maravilla ucronica es de 1992. Y se basa en la novela homónima de James Fenimore Copper.


Aquí Michael Mann, ese que le da por hacer adaptaciones cinematográficas de series viejas, logro una obra de arte. Vista desde la perspectiva de un universo paralelo. La narrativa funciona maravillosamente de no ser por las treinta mil inexactitudes que tiene en relación a la obra original. Fue concebida en la óptica de Mann, como un "que hubiera pasado si..."


La trama transcurre en un mundo desarrollado a partir de un punto en el pasado en el que algún acontecimiento sucedió de forma diferente a como ocurrió en realidad (por ejemplo: los vencidos de determinada guerra serían los vencedores). La ucronía especula sobre realidades alternativas ficticias en las cuales los hechos se han desarrollado de diferente forma de como los conocemos. Esa línea histórica se desarrolla a partir de un evento histórico extensamente conocido, significativo o relevante, en el ámbito universal o regional. (para entender mejor el concepto volteen a ver volver al futuro II)


En fin, el protagonista de la película, que mención aparte deberían ser los impresionantes paisajes, es la capacidad visual que el director tuvo en su versión. Para muestra la tensión y fuerza histronica de un final que no tiene dialogo. La música maravillosa de Trevor Jones y Randy Edelman mimetizan el momento que peca de muda performatividad.



El dolor, la angustia y la tensión de los personajes se vive y se palpa desde una óptica dramática. Que tiene un buen resultado, heredado de Sergio Leone. Pero de eso hablaremos mañana. La historia se sitúa en un periodo durante el choque de tres culturas, en la Guerra de los Siete Años, con las potencias que eran Gran Bretaña y Francia enfrentadas por el control de las colonias norteamericanas, en 1757. Es decir, mucho antes de la Declaración de Independencia de 1776. Un crisol de aventuras que se nutre la de épica de lo salvaje como verdadera leyenda americana.


Nathaniel (Daniel Day-Lewis), es el hijo adoptivo semicaucásico de un indio que se considera el último de los mohicanos. Durante una cacería, Nathaniel, Uncas y su padre detectan huellas de indios hostiles y los siguen. No lejos de allí, una columna de soldados ingleses, que transporta a las hijas del coronel Munro, Cora y, Alice, su hermana menor, hasta su padre, es atacada por indios hostiles. Las mujeres sobreviven junto con el oficial Duncan, que pretende a una de ellas, mientras que la guarnición es asesinada y solo se salvan gracias a la intervención oportuna de Nathaniel y los suyos. En la matanza de los soldados ingleses ha intervenido un indio, Mawa (Wes Studi), que fingía ser su guía y quien en su fuero interno odia a Munro. El objetivo de Mawa era asesinar por venganza a las hijas del coronel Munro. De ahí se suceden eventos dramáticos que seria mejor verlos que leerlos.



Su música , sobre todo el tema principal, no fue creado para la película. En realidad es una versión del tema ‘The Gael’, de Dougie MacLean, incluido en su álbum ‘The Search’. Ahora, la adaptación de ese tema a cargo de Trevor Jones, es uno de los que cualquiera puede identificar a las pocas notas. Y debería estar dentro de los créditos como un actor principal. En definitiva el ultimo de los mohicanos es una de esas películas para verse en el cine, o bien con un buen cañón en versión full HD a tras de un buen sistema de audio.